Danse 舞蹈

La productrice francaise Alice Rensy, résidente de Hong Kong, travaille avec de nombreux danseurs et chorégraphes locaux ou étrangers de passage sur le territoire, elle organise des événements de danse ou des performances dans des espaces culturels indépendants ou participe à des créations pour des festivals comme cette année le « Choreographers showcase » du Hong Kong Ballet ou les « Jockey Club Contemporary Dance Series » du Hong Kong Arts Festival. Familière du milieu hongkongais de la danse, elle réagit sur des fondements de sa discipline et partage son point de vue.

Comment vous est venu la passion de la danse ?
J’ai commencé la danse comme beaucoup de petites filles, puis c’est devenu mon refuge. A l’époque je passais beaucoup de temps à rêvasser en contemplant les photos du Lac des cygnes sur la pochette du disque vinyle de ma mère. A 11 ans j’ai voulu participer à un concours de danse classique à Caen en Normandie. Je n’ai pas eu de prix, mais c’était une expérience très marquante pour une personne introvertie. J’ai toujours gardé un lien particulier à la danse. Plus tard, la danse contemporaine a considérablement ouvert les possibilités d’expression.

Etes-vous parfois sur scène en tant que danseuse ?
Ma première intervention en tant que performeur était en octobre 2015 avec Shunsuke Arimizu du Hong Kong Ballet au centre d’art « Charbon » à Wong Chuk Hang. Lalie Choffel, qui dirige Charbon, m’a proposé de créer une performance intitulée « Soft destruction » à l’occasion du finissage de l’exposition en papier de Winoma Chan. J’ai invité Shunsuke à faire cette performance. Habitué aux scènes de théâtre, c’était la première fois qu’il travaillait dans un centre d’art avec une grande proximité du public. Il m’a demandé de l’accompagner. Nous avons revêtu des masques de lapin trouvés sur place, créé des situations sociales entre les deux créatures, déchiré les installations, mangé le papier. C’était curieux et j’espère juste.
Mais la plupart du temps mon rôle est en arrière-plan : réunir des personnes pour des projets, proposer des idées, travailler avec des chorégraphes sur la dramaturgie de leurs pièces, les aider à écrire sur leur travail, parfois chorégraphier.

Comment définissez-vous votre discipline ?
Je situe ce travail entre danse et art visuel, deux mondes peu connectés à Hong Kong. Ce qui m’intéresse ce sont les vibrations provoquées par la sincérité et la générosité envers le public. Cela, quelle que soit la technique utilisée. Concrètement j’ai souvent recours au ralentissement des gestes et à la simplification des structures. La proximité avec le public est également une piste. Bien que ce travail puisse paraître rudimentaire, il requiert au contraire une sensibilité aiguisée, du charisme au niveau des performeurs, de la précision et du temps, afin de présenter clairement un élément de vérité à travers des sensations, plutôt que par un raisonnement logique.
Le terme de non-danse n’a pas de sens car il s’agit bien de danse, quel que soit le niveau technique et même si on est en dehors des codes des danses reconnues. J’aime l’idée que la danse contemporaine soit une catégorie floue qui ne désigne ni une technique ni une méthode.

Je travaille avec des danseurs charismatiques quelle que soit leur formation, par exemple j’aimerais retravailler avec Wing Kong, une étudiante en danse chinoise à la Hong Kong Academy for Performing Arts, qui a fait preuve d’un charisme rare lors d’un projet passé, ou avec cette femme infirmière de profession qui a travaillé en Afrique dans des contextes de guerres terribles et qui a besoin de danser. La plupart de la beauté d’un spectacle repose sur la présentation de charismes individuels de performeur à un certain moment et dans un certain contexte. J’aime forger la force d’une pièce de danse en me concentrant sur les danseurs, leurs mouvements et sur les possibilités de faire éclore une transcendance.

Le naturel ne suffit pas du tout, ce n’est que le commencement. Il est absolument nécessaire de travailler à partir du charisme du danseur, de sélectionner, de limiter beaucoup, parfois de contraindre même. Dans le but de livrer aux spectateurs une expérience du vrai, un spectacle qui suscite une compréhension instinctive.

Les décors et les costumes sont choisis en dernier, après la lumière, et avec précaution. Des costumes trop présents tendent à gâcher l’essentiel. Par contre le contexte est primordial. Que le public soit restreint et proche, ou qu’il y ait un public nombreux assis dans une salle de théâtre, doit être considéré le plus tôt possible.

Est-ce que le public hongkongais, plus friand de danse classique, suit ces nouveaux mouvements ?
Oui il y a un public. Ceci-dit, régulièrement une partie du public semble découvrir ce genre de travail. Comme pour A work with the Hong Kong Ballet du chorégraphe Yang Hao né à Chongqing. Le Hong Kong Ballet avait commandé une création dans le cadre du « Choreographers’ Showcase » au Studio Theatre du Hong Kong Cultural Centre. La pièce a été créée pour cinq danseurs classiques du Hong Kong Ballet, Liu Miao-miao, Jessica Burrows, Arianne Lafita-Gonzalvez, Shunsuke Arimizu et Wu Di, en mettant en scène leurs charismes individuels au-delà de leurs techniques. Le public qui était venu voir de la danse classique à été assez peu enthousiaste. Plus étonnant, la critique du South China Morning Post a écrit qu’elle n’avait pas compris l’intérêt de notre travail étant donné que justement on ne s’était pas concentré en premier lieu sur la technique classique des danseurs. Pourtant il y a indéniablement de la belle danse classique dans ce spectacle : Shunsuke a un solo avec des pirouettes classiques, Arianne a un solo de pantomime, il y a des références a de grands maitres de la danse comme Nijinski, Trisha Brown et Raimund Hoghe. Pour moi et pour certaines personnes qui l’ont découverte, cette pièce est une petite merveille.

La relation au corps
Je suis plutôt cérébrale, pourtant il est très clair que le corps réagit fortement a beaucoup de choses de la vie : les émotions, les présences, les intentions, la beauté, la violence. Par exemple quand j’ai vu « Pas de Deux » le duo de Raimund Hoghe avec le danseur Takashi Ueno au Théâtre de la Cité internationale, les sensations étaient si intenses que j’ai cru assez tôt que j’allais pleurer, mais comme le spectacle continuait, le choc bloquait mes larmes en provoquant une nausée. J’étais submergée par la beauté de ce qui se passait.